Blogia
valor_es

personaje

Franz Anton Beckenbauer, El Kaiser y simiento de la historia en el futbol Aleman.

 

 

 

El 11 de septiembre de 1945 nace en Munich, Alemania Franz Anton Beckenbauer y en sus años mozos se conviete en un gran jugador alemán de fútbol. Le  Apodaron "El Káiser", es reconocido como uno de los mejores futbolistas de todos los tiempos y el más grande de la historia de su país.

Fue el capitán de la Selección alemana que ganó la Copa Mundial de Fútbol de 1974 y la Eurocopa 1972, así como el entrenador del mismo combinado que ganó el Mundial de Italia 1990. Obtuvo además tres UEFA Champions League, una Copa Intercontinental, una Recopa de Europa, cuatro BundesligaCopa de Alemania con la camiseta del Bayern de Múnich. Ha sido galardonado con el Balón de Oro de Europa en 1972 y 1976. Ocupa el 3º lugar en el ranking del Mejor futbolista del siglo publicada por IFFHS2004. 

Beckenbauer fue un jugador versátil, si bien destacaba como mediocampista, se adaptó a diferentes posiciones en el campo de juego, siendo creador de la posición del líbero. Desde joven despuntó en el equipo TSV Múnich 1860. El FC Bayern Múnich, el otro equipo de la ciudad, que entonces no era más que un equipo mediocre de la 1. Bundesliga, lo fichó a los 14 años. Franz Beckenbauer debutó en la liga alemana en 1964, y asombró al mundo en la Copa Mundial de Fútbol de 1966 en Inglaterra al marcar 4 goles. Alemania terminó en segundo lugar.

En esta época el Bayern empezó a forjar su leyenda y se convirtió en la nueva potencia mundial a nivel de clubes. Un año más tarde de su mítica aparición en la Copa Mundial de Fútbol de 1970 en México, en el que llegó a jugar un partido con el brazo en cabestrillo, se convirtió en capitán de la Mannschaft. Alemania fue protagonista del mejor partido del torneo junto a Italia, y terminó en tercer lugar venciendo a Uruguay.

Aquí es donde empieza la época dorada del fútbol alemán y del Bayern Múnich. Tras ganar la Eurocopa en 1972, consiguió sendos tripletes en la Bundesliga (1972-1974) y en la Copa de Europa (1974-1976). La imparable maquinaria alemana ganó la Copa del mundo de la que eran anfitriones: la Copa Mundial de Fútbol de 1974, en una memorable final contra la Naranja Mecánica de Johan Cruyff.

Cuando Beckenbauer volvió a la selección en 1984,después de retirarse un año antes, lo hizo como director técnico. Sorprendentemente, der Kaiser, que no tenía ninguna experiencia como entrenador, llevó a su equipo hasta la final de la Copa Mundial de Fútbol de 1986 en México, aunque cayeron en este partido ante la Argentina.

En Italia, en la Copa Mundial de Fútbol de 1990, Beckenbauer hizo aún más grande su leyenda consiguiendo ser la segunda persona en el mundo en conseguir la Copa Mundial de Fútbol como jugador y como entrenador (hecho que el brasileño Mário Zagallo consiguió por primera vez veinte años antes, en 1970).

Actualmente actúa como presidente del club alemán FC Bayern München. Asimismo es el vicepresidente de la DFB (Deutscher Fussball Bund o Federación Alemana de Fútbol); además, de ser el principal organizador de la Copa Mundial de Fútbol.

Records

  • 424 partidos en la Bundesliga (44 goles)
  • 78 partidos en Copa de Europa (6 goles)
  • 103 partidos internacionales, 50 como capitán (14 goles)
  • Logró ser presidente, director técnico, entrenador y jugador de fútbol de un mismo club

 

 

 

San Pablo de Tarso o bien Saulo de Tarso, el primer cristiano

 

 

(Saulo de Tarso) Apóstol del cristianismo que él transformó en religión universal (Tarso, Cilicia, h. 4/15 - Roma ?, h. 64/68). Era hijo de judíos fariseos de cultura helenística y con ciudadanía romana. Fue contemporáneo de Jesucristo e incluso estuvo en Jerusalén en la misma época que él, aunque probablemente no se conocieron.

Pablo tenía una sólida formación teológica, filosófica, jurídica, mercantil y lingüística (hablaba griego, latín, hebreo y arameo). Participó en las primeras persecuciones contra los cristianos. Pero durante un viaje a Damasco, poco después de la crucifixión de Jesucristo, se convirtió a la nueva fe, que por entonces era considerada una secta herética del judaísmo (según su propio relato, fue el mismo Jesús el que se le apareció).

Desde entonces San Pablo se convirtió en el más ardiente propagandista del cristianismo, que contribuyó a extender más allá del pueblo judío, entre los gentiles: viajó como misionero por Grecia, Asia Menor, Siria y Palestina; y escribió misivas (las encíclicas) a diversos pueblos del entorno mediterráneo.

Los escritos de San Pablo adaptaron el mensaje de Jesús a la cultura helenística imperante en el mundo mediterráneo, facilitando su extensión fuera del ámbito cultural hebreo en donde había nacido. Al mismo tiempo, esos escritos constituyen una de las primeras interpretaciones del mensaje de Jesús, razón por la que contribuyeron de manera decisiva al desarrollo teológico del cristianismo (se atribuyen a San Pablo más de la mitad de los libros del Nuevo Testamento).

 

Proceden de la interpretación de San Pablo ideas tan relevantes para la posteridad como la del pecado original; la de que Cristo murió en la cruz por los pecados de los hombres y que su sufrimiento puede redimir a la humanidad; o la de que Jesucristo era el mismo Dios y no solamente un profeta. También introdujo en la doctrina cristiana el rechazo de la sexualidad y la subordinación de la mujer, ideas que no habían aparecido en las predicaciones de Jesucristo.

En su esfuerzo por hacer universal el mensaje de Jesús, San Pablo lo desligó de la tradición judía, insistiendo en que el cumplimiento de la ley (los mandatos bíblicos) no es lo que salva al hombre de sus pecados, sino la fe en Cristo; en consecuencia, polemizó con otros apóstoles hasta liberar a los gentiles de las obligaciones rituales y alimenticias del judaísmo (incluida la circuncisión). En el país de los judíos fue mal acogido; estando en Jerusalén fue detenido, juzgado y enviado a Roma. Probablemente murió allí ejecutado.

AIR SUPPLY, Los romanticos de Australia para el mundo

Hitchcock y Russell se conocieron mientras tocaban en una producción de Jesus Christ Superstar en Sydney, Australia, en 1976. Los dos cantantes se asociaron y con cuatro músicos más -el tecladista Frank Esler-Smith, el guitarrista David Moyse, el bajista David Green y el baterista Ralph Cooper- formaron Air Supply. Durante varios años la banda sólo tuvo éxito dentro de Australia, logrando tener un solo simple importante: "Love and Other Bruises".


Comenzaron a hacerse conocidos a fines de los 70, cuando Rod Stewart los tuvo como grupo apertura en una gira norteamericana.


Los Air Supply firmaron un contrato de grabación con Arista en 1980, lanzando su primer álbum a fin de año. Lost In Love, su álbum debut, fue un gran éxito en los Estados Unidos, vendiendo más de dos millones de copias gracias a los simples "Lost in Love", "All out of Love" y "Every Woman in the World". Al año siguiente lanzaron su segundo álbum, "The One That You Love". El tema que dio título al álbum fue su único hit en llegar al puesto número uno, aunque este disco también incluyó los hits "Here I Am (Just when I thought I was over you)" y "Sweet Dreams".


Con su tercer álbum, "Now And Forever" (1982), su popularidad disminuyó levemente - sólo tuvieron un hit del Top 10, "Even the Nights are Better", y los otros dos simples, "Young Love" y "Two less Lonely People in the World", apenas arañaron el Top 40.


La banda lanzó el compilado Greatest Hits en 1983, que incluía un nuevo simple, "Making Love Out of Nothing at All"; este simple pasó dos semanas en el puesto número dos, y el álbum vendió más de cuatro millones de copias. Dos años más tarde lanzaron Air Supply, su cuarto álbum.

Este disco incluía el simple "Just as I Am", pero ya era evidente que su público estaba disminuyendo - este álbum fue el primero en no ser disco de platino. "Hearts In Motion" (1986) tuvo aún menos éxito, pasando sólo nueve semanas en los rankings.


Después de esta desilusión los Air Supply se separaron. Hitchcock y Russell se reunieron en 1991, lanzando Earth Is..., pero el álbum no logró ingresar a los rankings, al igual que Vanishing Race (1993) y News From Nowhere (1995). En 1997 editan "Book Of Love" y en 2001 "Yours Truly".

ROGER BANNISTER, rompio las barreras mentales para lograr lo que otros consideraban imposible, correr una milla en menos de 4 minutos.

 

La carrera de una milla es de gran tradición principalmente en los países anglosajones.  Esta que son 1,609 metros es prácticamente una tradición deportiva principalmente en Inglaterra.  Desde el siglo pasado, ya a medida que el atletismo se fue popularizando el conseguir rebajar la barrera de los 4 minutos en la milla se convirtió en la obsesion de los especialistas y en objeto una polémica ya que se le consideraba incluso sobrehumano lograrlo, de esto se encargaban en hasta médicos el decir que romper este record a menos de 4 minutos significaría un esfuerzo tan grande que el corazón del atleta que lo pretendiera explotaría literalmente.

En 1954 el estudiante de Oxford ROGER BANNISTER conseguía la gran hazaña de rebajar esos cuatro minutos en algunas decimas de segundo convirtiéndose en ídolo nacional, al retirarse del atletismo, Bannister se dedico exclusivamente a su profesión de neurólogo y como es ley este record seria batido luego pero el logro de romper con los esquemas de especialistas, deportistas, médicos entre otros fue de BANNISTER.

 

Breve Biografia:

Roger Gilbert Bannister (Londres, Inglaterra; 23 de marzo de 1929) es un atleta británico, ya retirado que fue especialista en pruebas de mediofondo. Es reconocido a nivel internacional por haber sido el primer hombre en la historia capaz de recorrer una milla (1.609 metros) en menos de 4 minutos. Tras su carrera deportiva comenzó a trabajar como neurólogo, llegando a ser el Master del Pembroke College de Oxford antes de retirarse en 2001.

Bannister era hijo de una familia adinerada, y se educó en algunas de las mejores escuelas de Inglaterra. Compaginó el atletismo con sus estudios de medicina en la Universidad de Oxford.

En 1950 logró una medalla de bronce en los 800 metros de los Campeonatos de Europa disputados en Bruselas. Dos años más tarde participó en los Juegos Olímpicos de Helsinki 1952, donde estuvo cerca de lograr una medalla, finalizando 4º en los 1.500 metros con 3:46,0

Pero su hazaña más importante y por la que es más conocido la realizó el 6 de mayo de 1954 en el transcurso de un encuentro atlético que tuvo lugar en las pistas de Iffley Road en Oxford. Había 3.000 espectadores presenciando la prueba, y Bannister logró la victoria en la milla con un tiempo de 3:59,4 siendo el primer hombre en la historia en bajar de los 4 minutos.

La carrera fue todo un acontecimiento en Inglaterra y fue retransmitida por la cadena de radio de la BBC, y el comentarista era el antiguo campeón olímpico de los 100 metros Harold Abrahams.

La hazaña de Bannister pasó a ser conocida como la "milla milagro", ya que algunos dudaban de que fuera posible cubrir esa distancia en menos de 4 minutos. Sin embargo esto formaba parte del mito que rodeaba a esta prueba, propagado por los periodistas y comentaristas deportivos, y se debía más a ser un "número redondo" que a un análisis técnico detallado. De hecho la nueva marca solo mejoraba en 2 segundos el récord mundial anterior que estaba en poder del sueco Gunder Hägg desde hacía nueve años.

Solo 46 días después, el 21 de junio, el récord de Bannister fue batido en Turku, Finlandia, por el australiano John Landy, que corrió la distancia en 3:58,0.

A raíz de esto se generó una gran expectación por ver un enfrentamiento directo entre estos dos atletas en una misma carrera. Esta tuvo lugar el 7 de agosto de ese mismo año en los Juegos de la Commonwealth celebrados en Vancouver. Era la primera vez que Bannister y Landy competían juntos. Landy dominó durante la mayor parte de la prueba llegando incluso a cobrar una pequeña ventaja en la tercera vuelta. Pero el final de Bannister era más poderoso y acabó ganando con un tiempo de 3:58,8 por los 3:59,6 de Landy que fue segundo.

Esta carrera fue un gran acontecimiento seguido ampliamente por los medios de comunicación en todo el mundo, y los británicos lo celebraron como un gran éxito nacional. En 1967 el escultor canadiense Jack Harman realizaría una escultura en bronce en la que aparecen los dos atletas corriendo, y que adornó por muchos años la entrada del estadio de Vancouver. Cuando el estadio fue demolido, la estatua se trasladó a otro lugar.

Pocas semanas después de su victoria sobre Landy, Bannister ganó la medalla de oro de los 1.500 metros en los Campeonatos de Europa disputados en Berna con 3:43,8.

Después de ese año Bannister se retiró del atletismo para concentrarse en su profesión, y llegaría a ser un distinguido neurólogo.

Recibió muchos honores tanto en su país como fuera de él. Fue el primero en ser elegido como "deportista del año" por la revista americana Sports Illustrated. También fue el primer Presidente del Consejo Inglés de Deportes, y la reina de Inglaterra le nombró caballero en 1975 por sus servicios.

La historia de Bannister ha sido objeto de dos adaptaciones televisivas. La primera es una miniserie de 1988 titulada "The Four Minute Mile", protagonizada por Michael York. La segunda es un telefilm de 2005 titulado "Four Minutes", con Jamie Machlachlan en el papel de Bannister. cuando le preguntaron a Bannister que opinaba que despues de el haber roto el record mundial mas personas lograron batir este mismo record que antes parecia imposible el dijo "No es que la gente halla aprendido a correr o que el hombre evolucionara en algo superior, solo aprendieron a quitarse la venda mental que tenian..."

 

 

Charles Chaplin, un genio de la palabra dicha y muda...

La familia de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.

Los comienzos en Hollywood

A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.

Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.

También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un genio del cine.

Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un millón de dólares al divorciarse de su Lolita.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. Ya en 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo.

Al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O’Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.

El patriarca de Vevey

Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.

Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day’s Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.

TUPAC AMARU, mas que un guerrero con sangre inca...

José Gabriel Condorcanqui o Quivicanqui mas conocido como TUPAC AMARU fue un  Revolucionario peruano, descendiente de los incas (Surimaná, 1741 - Cuzco, 1781). Era el cacique de Surimaná, Tungasuca y Pampamarca, bisnieto de Juana Pilco-Huaco, la hija del último soberano inca, Túpac Amaru I (ejecutado por los españoles en 1572).

Se educó con los jesuitas de Cuzco e hizo fortuna en negocios de transporte, minería y tierras. Su prestigio entre los indios y mestizos le permitió encabezar una rebelión contra las autoridades españolas del Perú en 1780; dicha rebelión (precedida por otras similares) estalló por el descontento de la población contra los tributos y prestaciones obligatorias de trabajo que imponían los españoles (mitas, obrajes, repartimientos, servicios…) y contra los abusos de los corregidores. Comenzó con la ejecución del corregidor de Tinta, sin que al parecer existiera un plan premeditado de insurrección.

Condorcanqui adoptó el nombre de su ancestro (Túpac Amaru) como símbolo de rebeldía contra los colonizadores, se presentó como restaurador y legítimo heredero de la dinastía inca, y envió emisarios para extender la rebelión por todo el Perú. No obstante, su rebeldía se dirigía contra las autoridades españolas locales, manteniendo la ficción de lealtad al rey Carlos III.

El primer destacamento enviado a reprimir la rebelión fue derrotado por Túpac Amaru en 1780. Se dirigió entonces hacia Cuzco, pero fue rechazado por los españoles en las inmediaciones de la antigua capital.

Entretanto, el virrey Agustín de Jáuregui mandó contra él un ejército de 17.000 hombres, al tiempo que desalentaba la rebeldía haciendo concesiones a los indios (como crear en la Audiencia una sala especial para atender sus quejas o limitar los poderes de los corregidores). Túpac Amaru fue vencido en la batalla de Checacupe (1781), entregado por algunos de los suyos a los españoles, y trasladado por éstos a Cuzco, donde le juzgaron y ejecutaron.

La gravedad de la amenaza que esta rebelión había representado para el imperio español en América se tradujo en la crueldad del virrey, que descuartizó a Túpac Amaru y envió cada parte de su cuerpo a un pueblo de la zona rebelde para dar a la ejecución un valor ejemplarizante y sofocar la rebelión (que continuó algún tiempo más, encabezada por un primo y un sobrino de Túpac Amaru).

MADRE TERESA DE CALCUTA devocion al servicio por amor


(Agnes Gonxha Bojaxhiu; Skopje, actual Macedonia, 1910 - Calcuta, 1997) Religiosa albanesa, nacionalizada india. Nacida en el seno de una familia católica albanesa, la profunda religiosidad de su madre despertó en ella su vocación de misionera a los doce años. Siendo aún una niña, ingresó en la Congregación Mariana de las Hijas de María, donde inició su actividad de asistencia a los más necesitados.


A los dieciocho años abandonó para siempre su ciudad natal y viajó hasta Dublín para profesar en la Congregación de Nuestra Señora de Loreto. Como quería ser misionera en la India, embarcó hacia Bengala, donde cursó estudios de magisterio y eligió el nombre de Teresa para profesar. Ejerció como maestra en la St. Mary’s High School de Calcuta hasta 1948, año en que obtuvo la autorización de Roma para dedicarse al apostolado en favor de los pobres.

En 1950 la Madre Teresa de Calcuta fundó la Congregación de las Misioneras de la Caridad, aprobada en 1965 por Pablo VI. Las integrantes de esta congregación, que debían sumar a los votos tradicionales el de la dedicación a los «más pobres de entre los pobres», lograron una rápida implantación en la India y en otros casi cien países del mundo; por su parte, la fundadora se movilizó contra el aborto y la eutanasia, en consonancia con la doctrina pontificia de Juan Pablo II.

En 1972 la Madre Teresa de Calcuta recibió el Premio de la Fundación Kennedy, y en 1979, el Premio Nobel de la Paz, cuya dotación económica donó a los pobres. En 1986 recibió la visita de Juan Pablo II en la Nirmal Hidray o Casa del Corazón Puro, fundada por ella y más conocida en Calcuta como la Casa del Moribundo. Tras superar numerosos quebrantos de salud, falleció el 5 de septiembre de 1997 víctima de un paro cardíaco. Miles de personas de todo el mundo se congregaron en la India para despedir a la Santa de las Cloacas. Fue beatificada en 2003 por Juan Pablo II.

sinopsis de sus momentos historicos

  • Nació el 26 de agosto de 1910 en Skopje (por entonces ciudad del Imperio Otomano, actualmente de Macedonia), bajo el nombre Agnes Gonxha Bojaxhiu .

  • A los 18 años ingresó a la Orden de las Hermanas de Nuestra Señora de Loreto en India.

  • 1929 : inició su viaje hacia la India, llegando a Calcuta en enero.

  • 1931: toma el nombre de Teresa en honor a una Monja francesa Thérèse Martin quien fue canonizada en 1927 con el título de Santa Thérèse de Lisieux.

  • 1937 : la Madre Teresa emitió los votos religiosos y enseñó por 20 años en el Colegio Santa María en Calcuta, India.

  • 1946 : el 10 de septiembre, recibió otra llamada de Dios, para dar servicio a los más pobres.

  • 1948 : el Papa Pío XII le concedió a la Madre Teresa permiso para ejercer su servicio pastoral como monja independiente y empezó a compartir su vida en las calles de Calcuta con los más pobres, los enfermos y los hambrientos. Fundó una congregación llamada las Misioneras de la Caridad. Su trabajo inicial fue el de enseñar a leer a los niños pobres de la calle.

  • 1950 : Empezó a ayudar a las personas enfermas de lepra.

  • 1963 : Fundó los Hermanos Misioneros de la Caridad.

  • 1965: el Papa Pablo VI colocó a la congregación de las Misioneras de la Caridad bajo el control del Papado y autorizó a la Madre Teresa a expandir la Orden religiosa en otros países. Alrededor de todo el mundo se abrieron centros para atender leprosos, ancianos, ciegos y personas que padecen del SIDA y se fundaron escuelas y orfanatos para los pobres y niños abandonados.

  • 1979 : Se le otorga el Premio Nóbel de la Paz.

  • 1984 : Funda los Padres Misioneros de la Caridad.

  • 1997: Muere en Calcuta, a los 86 años .

  • 2003: la Madre Teresa es beatificada por el Papa Juan Pablo II.

CARLOS GARDEL el tanguero del mundo

De Carlos Gardel Existe una controversia sobre si su lugar de nacimiento fue Toulouse (Francia) o Tacuarembó (Uruguay), aunque no hay duda de que vivió en Buenos Aires desde muy pequeño. Creció en la Argentina y se nacionalizó en este país en 1923 y murió, en un accidente aéreo durante una gira, en Medellín (Colombia).

Gardel creció en el Abasto, una zona entre los barrios de Almagro y de Balvanera, en Buenos Aires en el que funcionaba el famoso Abasto, mercado central de frutas y verduras, cuyo edificio estilo art decó se conserva reciclado y convertido en centro comercial. A muy temprana edad comienza a ser reconocido por su canto, y trasciende su fama como el Morocho del Abasto. El payador José Betinotti le daría un nuevo apodo que también se haría popular, El Zorzal Criollo, y lo motivaría a cantar en los centros políticos. También se le conoce como el Francesito, como El Mudo, con base en un fino sentido del humor que hace referencia a su excepcional voz y como el que cada día canta mejor.

Estudió en el Colegio Salesiano Pio IX de Buenos Aires, donde fue compañero de curso de Ceferino Namuncurá, futuro beato argentino. En 1902, siendo tramoyista en el teatro La Victoria, comienza a escuchar a distintos cantantes de zarzuela y ópera, entre los que se destacan el barítono italiano Titta Ruffo y el zarzuelista español Sagi Barba. En 1911 celebró un duelo musical con ’El Oriental’ José Razzano en la calle Guardia Vieja del barrio del Abasto. En ese duelo no ganó ninguno de los dos: más bien surgió el dúo Gardel-Razzano, que trabajó unido durante quince años. Poco tiempo después Gardel grabaría sus primeros discos, marca Columbia Record, para la Casa Tagini.

Gardel recibiría en 1915 un balazo durante un altercado a la salida del Palais de Glace (salón de baile de la época en el barrio de la Recoleta). Cantaría el resto de su vida con esa bala alojada en su pulmón izquierdo.

Dos años más tarde es protagonista del film mudo Flor de Durazno (novela de Hugo Wast). En 1923, ya metido de lleno en el tango, realiza con Razzano y la Compañía Rivera-De Rosas, una gira que lo llevará a Uruguay, Brasil y España, debutando en el Teatro Apolo de Madrid. Hacia mediados de la década de 1920 el dúo cantor se separa, pasando Razzano a ejercer las funciones empresariales. Gardel vuelve a realizar giras por Europa, donde actúa en España (1925) y Francia (1928), y actúa en varias películas para la Paramount. Debuta en el cabaret Florida de París, con enorme éxito y graba varios discos. En 1929 visita brevemente Italia y el 5 de febrero vuelve a Francia, donde actúa en la Opera de París, triunfando de manera rotunda.

De regreso en Buenos Aires debuta en el Teatro Empire, para volver a viajar a España donde actúa en el Principal Palace de Barcelona y en el Teatro Avenida de Madrid. Comienza entonces a grabar los cortometrajes que lo harían famoso. Volvería a Francia en 1930 donde filma para la Paramount francesa la película Luces de Buenos Aires.

Tras una breve vuelta por Buenos Aires y Montevideo viaja otra vez a Europa, pero sin sus guitarristas. Realiza giras por la Costa Azul, Italia, Londres, París, Viena, Berlín y Barcelona. Filma nuevamente para la Paramount francesa "Espérame", "La casa es seria" y "Melodía de arrabal". En estas películas se incorpora como colaborador el poeta y periodista Alfredo Le Pera, con quien Gardel escribirá muchos temas (Mi Buenos Aires Querido, Silencio, Volver, El Día Que Me Quieras, etc.).

En 1933 regresa a Buenos Aires. Su conjunto de guitarras estaba integrado por Barbieri, Riverol, Vivas y Pettorossi, trabajan en Montevideo y en el interior de la Argentina y del Uruguay.

Su público nunca más lo volvería a ver: el 7 de noviembre de 1933 se va un tiempo corto a Barcelona y París, y luego viaja a los Estados Unidos donde debuta en la NBC de Nueva York, el 30 de diciembre. En 1934 filma "Cuesta abajo", "Mi Buenos Aires querido" y "Tango en Broadway", para la Paramount de Nueva York. Vuelve por poco tiempo a Francia, a fines de 1934 vuelve a actuar en la NBC y a filmar en el musical de la Paramount "Cazadores de estrellas" junto a Bing Crosby, Richard Tauber y Ray Noble entre otros grandes. En 1935 filma El día que me quieras y Tango Bar, donde canta sus éxitos más recordados. En abril emprende su fatídica gira, programada para ir por Puerto Rico, Venezuela, Aruba, Curaçao, Colombia, Panamá, Cuba y México, pero el destino impidió que esta se completara. El 24 de junio de 1935 Carlos Gardel, junto con Alfredo Le Pera y algunos de sus músicos, entre ellos el Indio Aguilar, falleció en el choque de dos aeroplanos a punto de despegar sobre la pista del aeropuerto Olaya Herrera de la ciudad de Medellín (Colombia).

Gardel se encontraba en lo mejor de su carrera, millones de sus admiradores lo lloraron. Entonces "El Zorzal criollo" se ganó la gloria: popularmente, la gente dice que "Gardel cada día canta mejor". Un verso de su tango Volver se convirtió en un refrán famoso en toda América latina: "Veinte años no es nada".

Carlos Gardel está enterrado en el cementerio de la Chacarita de Buenos Aires. Se conservan más de setecientas grabaciones de Gardel. No sólo grabó tangos; también música folclórica, milongas, zambas, rancheras, tonadas, estilos, etc. (treinta géneros en total). Grabó algunos Fox trots, un tango en español e inglés, y también algunas canciones tradicionales en francés e italiano y hasta un tango en guaraní.

El 24 de junio de 2005, por decisión conjunta de las autoridades municipales de las ciudades de Buenos Aires, Montevideo, Tacuarembó y Medellín (donde falleció), se recordaron los 70 años de la muerte de Carlos Gardel. Por primera vez, se obvió la conmemoración del llamado "Día de Carlos Gardel" en la ciudad francesa de Toulouse.

 

 

Francisco Villa o bien PANCHO VILLA... "El Centauro del Norte"

 

 

El verdadero nombre de Pancho Villa es el de Doroteo Arango Arámbula y se le considera el celebre revolucionario mexicano (San Juan del Río, Durango, 1876 - Parral, Chihuahua, 1923).  Los origenes de Villa son de un Campesino pobre, huérfano y con escasa formación, cuando estalló la Revolución de 1910 llevaba varios años fugitivo en las montañas por haber asesinado a uno de los propietarios de la hacienda donde trabajaba.

Enseguida Pancho Villa se unió a Madero en su lucha contra la dictadura de Porfirio Díaz, y demostró una habilidad innata para la guerra. Aprovechando su conocimiento del terreno y de los campesinos, formó su propio ejército en el norte de México, con el cual contribuyó al triunfo del movimiento revolucionario.

En 1912 fue encarcelado, al sospechar el general Victoriano Huerta que estaba implicado en la rebelión de Orozco en defensa de las aspiraciones sociales del campesinado, que Madero había postergado. Consiguió escapar a los Estados Unidos y, tras el asesinato de Madero, regresó a México y formó un nuevo ejército revolucionario, la División del Norte (1913).

Con ella apoyó la lucha de Venustiano Carranza y Emiliano Zapata contra Huerta, que se había erigido en dictador. Juntos le derrocaron en 1914; pero después de la victoria de esta segunda revolución, Villa y Zapata se sintieron defraudados por Carranza, y volvieron a tomar las armas, ahora contra él. Esta vez la suerte militar no estuvo de su parte: Álvaro Obregón derrotó a los villistas y Carranza se consolidó en el poder, logrando el reconocimiento oficial de su gobierno por los Estados Unidos.

 

En un intento de mostrar que Carranza no controlaba el país y de enemistarle con el presidente norteamericano, Wilson, Pancho Villa atacó con sus tropas el territorio estadounidense de Nuevo México y asesinó a 16 ciudadanos de aquel país (1916). Wilson envió un ejército bajo el mando del general Pershing al norte de México para acabar con Pancho Villa; pero el conocimiento del terreno y la cobertura que le daba la población campesina le permitieron sostenerse durante cuatro años, a medio camino entre la guerrilla y el bandolerismo.

Al caer Carranza en 1920, el nuevo presidente Adolfo de la Huerta le ofreció una amnistía y un rancho en Chihuahua, a cambio de cesar sus actividades y retirarse de la política. Villa aceptó, pero murió tres años después, asesinado en su rancho por motivos políticos, durante la presidencia de Obregón.

Martin Luther King, en defensa de los derechos civiles


(Atlanta, 1929 - Memphis, EE UU, 1968) Pastor baptista estadounidense, defensor de los derechos civiles. Hijo de un ministro baptista, Martin Luther King estudió teología en la Universidad de Boston. Desde joven tomó conciencia de la situación de segregación social y racial que vivían los negros de su país, y en especial los de los estados sureños.

Convertido en pastor baptista, en 1954 se hizo cargo de una iglesia en la ciudad de Montgomery, Alabama. Muy pronto dio muestras de su carisma y de su firme decisión de luchar por la defensa de los derechos civiles con métodos pacíficos, inspirándose en la figura de Mahatma Gandhi y en la teoría de la desobediencia civil de Henry David Thoreau. Al poco de llegar a Montgomery organizó y dirigió un masivo boicot de casi un año contra la segregación en los autobuses municipales.

La fama de Martin Luther King se extendió rápidamente por todo el país y enseguida asumió la dirección del movimiento pacifista estadounidense, primero a través de la Southern Cristian Leadership Conference y más tarde del Congress of Racial Equality. Asimismo, como miembro de la Asociación para el Progreso de la Gente de Color, abrió otro frente para lograr mejoras en sus condiciones de vida.

En 1960 aprovechó una sentada espontánea de estudiantes negros en Birmingham, Alabama, para iniciar una campaña de alcance nacional. En esta ocasión, Martin Luther King fue encarcelado y posteriormente liberado por la intercesión de John Fitgerald Kennedy, entonces candidato a la presidencia de Estados Unidos, pero logró para los negros la igualdad de acceso a las bibliotecas, los comedores y los estacionamientos.

En el verano de 1963, su lucha alcanzó uno de sus momentos culminantes cuando encabezó una gigantesca marcha sobre Washington, en la que participaron unas doscientas cincuenta mil personas, ante las cuales pronunció uno de sus más bellos discursos por la paz y la igualdad entre los seres humanos. Él y otros representantes de organizaciones antirracistas fueron recibidos por el presidente Kennedy, quien se comprometió a agilizar su política contra el segregacionismo en las escuelas y en la cuestión del desempleo, que afectaba de modo especial a la comunidad negra.

No obstante, ni las buenas intenciones del presidente, quien moriría asesinado meses más tarde, ni el vigor ético del mensaje de King, Premio Nobel de la Paz en 1964, parecían suficientes para contener el avance de los grupos nacionalistas de color contrarios a la integración y favorables a la violencia, como Poder Negro, Panteras Negras y Musulmanes Negros. La permeabilidad de los colectivos de color, sobre todo de los que vivían en los guetos de Nueva York y de otros estados del norte, a la influencia de estos grupos violentos, ponía en peligro el núcleo del mensaje de King, el pacifismo.

En marzo de 1965 encabezó una manifestación de miles de defensores de los derechos civiles que recorrieron casi un centenar de kilómetros, desde Selma, donde se habían producido actos de violencia racial, hasta Montgomery. La lucha de Martin Luther King tuvo un final trágico: el 4 de abril de 1968 fue asesinado en Memphis por James Earl Ray. Mientras se celebraban sus funerales en la iglesia Edenhaëser de Atlanta, una ola de violencia se extendió por todo el país. Ray, detenido por la policía, se reconoció autor del asesinato y fue condenado con pruebas circunstanciales. Años más tarde se retractó de su declaración y, con el apoyo de la familia King, pidió la reapertura del caso y la vista de un nuevo juicio.

Jose Maria Napoleon, legado musical...

 

José María Napoleón se caracterizo por ser un reconocido cantante y compositor mexicano  el cual es nacido el 18 de agosto de 1950 en Aguascalientes, México. Se le recuerda por ser el primer lugar del OTI en 1977, viajando a España, además de ser autor de grandes éxitos. 

José Maria Napoleón en 1970 grabó su primer disco de larga duración, obteniendo un gran éxito con los temas, El Grillo y "Para No Volver". De ahí en adelante siguieron grandes canciones como La canción del Molino Rojo, "Hasta entonces", "Después de tanto", "Que será si te vas", "Si una mañana", "Vive", "La vida", Señor de edad, "Eres", "Hombre", "Pajarillo", Recuerdo Apagado...

Llega a la Ciudad de México, en el año 1966, y hasta 1970 consigue su primera oportunidad y la posterior grabación de 1er LP en discos Musart, destacando el tema "El Grillo" , una de sus primeras composiciones. Poco después conoce a La Baladista de América" Rosario de Alba, en 1972, y contrae nupcias con la cantante. Cuando la Baladista, destacaba en su carrera artística; siendo ella el mayor impulso del entonces principiante Canta Autor a quien la cantante apoyó en los festivales de la OTI, hasta que el Canta Autor logra en 1977 el primer lugar para representar a México en España, con la canción de "Hombre"

Ya para entonces había abandonado la casa de su aún esposa y se presentaba como novio de la cantante Maria Medina.

Aparece por primera vez en televisión y cambia a la pequeña disquera Cisne-Raff, que daría a conocer a grandes artistas, incluyendo al propio Napoleón. El Canta Autor luego comienza un tórrido romance con Martha Ortíz, entonces Miss en un concurso de belleza y la cual resulta embarazada del Canta Autor,  cuando aún el cantante no tenía ni un año de divorciado de su primera esposa. Este se casa con la Miss Martha Ortiz, haciéndole una gran recepción en el Hotel Presidente de la Ciudad de México. Donde asistieron Raúl Velasco y grandes luminarias.

De ahí en adelante el Cantante y Compositor pasa de un escándalo a otro. Pues desesperada su segunda esposa del nulo apoyo de Napoleón para ella en sus aspiraciones de actriz, mas sus rencillas maritales, esta denuncia el maltrato físico y moral del Canta Autor. Ella, con su avanzado embarazo, abandona el departamento de  Napoleón. Continúa de tumbo en tumbo relacionado con damas y droga, también siendo sus novias Silvia Pasquel, María Sorté, Manoela Torres. Apareciendo y desapareciendo cansado de las declaraciones de Martha su aun esposa en 1980. Quien lo acusaba de hacerle escándalos en el domicilio de la ex miss. Acompañado éste de su inseparable hermano Fabian Ruíz.

Su vida personal se desplomaba, entre declaraciones de su segunda esposa, que dejaban en entre dicho la vida del cantante, quién ya conocía a una joven de las mejores familias de aguascalientes. Ella asistía a sus presentaciones en el Teatro "Morelos", y enamorada de la música y fama del Canta Autor, lo deja todo para marcharse a la Ciudad de México con Napoleón.

Siendo en la actualidad su aún actual esposa (quien contaba entonces con solo 16 años de edad y para 1981, se vuelve madre de la primer hija de cinco hijos que el Canta Autor procrea con Ma.Susana De Alba(prima hermana de Rebeca De Alba). De quien se divorció y volvió a casarse nuevamente,  por la Iglesia Católica sin estar anulado su matrimonio por la Iglesia con la Sra. Rosario de Alba.

La Cantante a pesar de estar alejada ahora de los medios no ha querido aondar en su vida privada con entrevistas sin embargo su legado musical es de los mejores dandonos muchas canciones con letras inspiradoras las cuales le dieron su renombre artistico y que son muy sonadas hasta hoy dia y es por esto que se debe admirar a Napoleon por ese bello LEGADO MUSICAL...

 

te dejamos algunos exitos de este idolo para que los bajes

 

http://rapidshare.com/files/255280391/napole..zip

FANIA ALL STARS, soneros que le dieron origen a la SALSA

Fania All-Stars es un grupo de música latina formado en Nueva York (Estados Unidos) en 1968 por los artistas más conocidos del sello Fania Records, a menudo aumentados por estrellas invitadas procedentes de otros sellos de música latina y de otros estilos. Aunque el sello fue vendido en 1997.

El director artístico de la mayoría de las grabaciones de Fania All-Stars es Johnny Pacheco, fundador, junto con Jerry Masucci del sello. En 1968 Pacheco inventó una "superbanda" llamada Fania All-Stars ("Estrellas de Fania" en castellano) que agrupó a la élite de los músicos y cantantes de salsa para ejecuciones y grabaciones de grupo. En las filas de este super-grupo han militado algunos de los más importantes músicos de salsa y jazz latino de los últimos cuarenta años (en especial, los que han vivido en los Estados Unidos), provenientes tanto de las filas de Fania como de otros sellos. Entre las estrellas invitadas procedentes de otros géneros que han colaborado a menudo con Fania All-Stars están Manu Dibango, Jorge Santana (hermano de Carlos) y Eric Gale, entre muchos otros.

Más tarde Jerry Masucci compró la participación en la empresa Fania Records de su socio Johnny Pacheco y se convirtió en único dueño de la compañía y de muchas otros subsellos, entre ellos varios en Suramérica que él adquirió y creó, hasta su muerte en Buenos Aires en 1997.

La historia de la banda representa la ascensión y difusión de la salsa como etiqueta comercial para la música latina. El comienzo de la banda fue un evento promocional con varios artistas bien conocidos y estrellas invitadas de otros sellos, como Tito Puente de Tico Records y Eddie Palmieri, Ricardo Ray y Bobby Cruz de Alegre Records. El primer concierto de los All-Stars se grabó y editó en dos discos de larga duración: Live At The Red Garter, volúmenes 1 y 2, pero ninguno de los dos se vendió muy bien.

En 1971 el segundo concierto de la Fania All-Stars fue grabado y filmado en vivo, resultando en los volúmenes 1 y 2 de Fania All-Stars Live at the Cheetah. Esta grabación se convirtió en el álbum latino más vendido grabado en un solo concierto.

Después de sus conciertos en Puerto Rico, Chicago (Estados Unidos) y Panamá, la orquesta de Fania tuvo su primera actuación en el Yankee Stadium, con una capacidad de 64.000 espectadores, el 24 de agosto de 1973, con sus lumbreras principales. Antes del evento fue ambiciosamente pronosticado que el concierto iba a revolucionar la industria musical, como lo hicieron The Beatles en los primeros años sesenta y Woodstock en 1969. Material de su concierto en el Yankee Stadium y también de su concierto en el Coliseo Roberto Clemente de San Juan (Puerto Rico) constituyen la mitad de su grabación Latin-Soul-Rock (1974).

En 1974, la presentación de los All Stars en el estadio Statu Hai (con una capacidad de 80.000 espectadores) en Kinshasa (Zaire) fue grabada por Leon Gast y estrenada como la película Live in Africa en 1974 (distribuida en video en el Reino Unido bajo el título Salsa Madness en 1991). Esta representación zaireña ocurrió en el festival de música que se llevó a cabo en combinación con el combate boxístico por el título de los pesos pesados entre Mohammed Ali y George Foreman. La Fania All-Stars compartió tarima con Stevie Wonder y otros artistas muy conocidos.

La Fania volvió al Yankee Stadium en 1975, resultando en dos volúmenes musicales titulados Live At Yankee Stadium (1975), en la cual se destacaron los vocalistas de Fania y Vaya Records. Pero se debe dejar claro que la música en esos discos realmente corresponden a las grabaciones de la Fania en el Coliseo Roberto Clemente. El tema de Héctor Lavoe, "Mi gente", expresa esto claramente.

En la búsqueda del sello Fania por un mercado más amplio para la salsa llegó a un acuerdo con Columbia Records para grabar una serie de álbumes con la intención de cruzar géneros musicales norteamericanos con el sonido latino. El primer proyecto fue el acoplamiento de Steve Winwood con los músicos de los All-Stars reducido a una sección rítmica compuesta por Pacheco, Barretto, Roena, Marrero, Valentín y Lucca, para grabar el poco memorable Delicate & Jumpy (1976), estrenado por Columbia en los EE.UU. e Island Records en el Reino Unido. Por las mismas fechas, Island sacó en Gran Bretaña la colección del sello Fania titulada Salsa! y Live, también grabado por la Fania All Stars.

En 1976 la Fania All-Stars realizó su única presentación en el Reino Unido con un memorable concierto, que fue completamente vendido, en el Lyceum Ballroom de Londres, con Winwood como invitado especial.

A la vez que salían los discos editados a través del acuerdo con Columbia, seguían saliendo discos de la Fania All-Stars publicados por el sello Fania, como el tributo a Tito Rodríguez, que supuso la introducción por primera vez de Rubén Blades en los All-Stars. La serie de Columbia, que continuaba con poco éxito, estrenó el LP Rythm Machine, integrado otra vez con la sección rítmica de la Fania All-Stars, el pianista Bob James (productor ejecutivo) y el guitarrista invitado Eric Gale. Por su parte, Spanish Fever (1978) contó con los invitados Maynard Ferguson, Hubert Laws, David Sanborn, Gale y otros.

El año 1978 también vio el estreno de Live, un álbum de la Fania All-Stars, de nuevo producido por Fania Records, con una versión completa de la orquesta grabada en concierto en el Madison Square Garden de Nueva York en septiembre de ese mismo año. La última grabación de la serie con Columbia, Crossover, fue lanzada el siguiente año, a la vez que Havana Jam, en este caso por Fania, que proviene de un concierto histórico grabado el 3 de marzo de 1979 en La Habana, con los All Stars junto a Billy Joel, Rita Coolidge, Kris Kristofferson, Stephen Stills, Weather Report y las bandas cubanas Irakere y Orquesta Aragón.

Desde los finales de los 70s la Fania empezó a disminuir en popularidad, lo cual fue atribuido a una película que fracasó comercialmente, quejas por parte de los músicos por falta de incentivos y el fracaso de los tratos de distribución con Colombia y Atlantic Records para lanzar la salsa al mercado convencional norteamericano como había sido anticipado. Además, la escena salsera de Nueva York, a la cual Fania Records estaba inextricablemente unida, fue eclipsada por el merengue dominicano en la primera mitad de la década y, después, por el impulso de la salsa romántica que se puso de moda en los últimos años 80 y primeros 90.

Reflejando el deterioro de la compañía, los estrenos de la Fania All Stars disminuyeron casi por completo ya para los últimos años 80. Sus elepés entre 1980 y 1989 incluyeron un intento al jazz latino, titulado California Jam, y el particularmente débil Guasasa - Social Change (1981), con los músicos invitados Steel Pulse y Gato Barbieri, que resultó en otro fracasado intento de cruzar géneros musicales; Bamboleo (1988), que incluía la interpretación de cuatro éxitos de los Gipsy Kings "salsificados", y también los más robustos Commitment, Latin Connection, Lo que pide la gente y Viva la charanga.

Para celebrar el 20 aniversario de la banda se estrenó en 1986 Live in Africa, grabado en Zaire en 1974, y Live in Japan, grabado en el Japón en 1976. Los 30 años de Fania Records, fueron conmemorado en el 1994 con un gira de cuatro ciudades (San Juan, Miami,Cali y Nueva York) por los integrantes originales de los All Stars.

ENTRE SUS INTEGRANTES TENEMOS:

Voces 

  • Héctor Lavoe
  • Cheo Feliciano (maracas)
  • Ismael Miranda (maracas)
  • Adalberto Santiago
  • Pete "El Conde" Rodríguez (güiro)
  • Santos Colón
  • Bobby Cruz
  • Ismael Quintana
  • Celia Cruz
  • Ismael Rivera
  • Justo Betancourt
  • Rubén Blades
  • Nelo
  • [Wllie Colon](Trobon)

Trompetas

  • Hector Zarzuela
  • Roberto Rodríguez
  • Larry Spencer
  • Bernardo Antonio Cabrera
  • Victor "Vitín" Paz

Trombón

  • Barry Rodgers
  • Reinaldo Jorge
  • Willie Colón (voz)

Piano

  • Larry Harlow
  • Ricardo Ray
  • Papo Lucca
  • Eddie Palmieri

Congas [editar]

  • Ray Barreto
  • Mongo Santamaría
  • Eddy Montalvo
  • Willy Romero
  • Johnny "Dandy" Rodríguez Jr
  • Milton Cardona

Timbales

  • Orestes Vilató (timbales)
  • Nicky Marrero (timbales)

Otros

  • Roberto Roena (bongós)
  • Bobby Valentín (bajo)
  • Salvador Cuevas (bajo)
  • Pupy Legarreta (violín)
  • Yomo Toro (cuatro, tres y guitarra)
  • Johnny Pacheco (flauta y director musical)
  • José ’Monguito’ Santamaria (primera voz del grupo en 1964 y piano)
  • Louie Ramirez (vibráfono)

Invitados 

  • Wilfrido Vargas (voz, canta el tema "El Barbarazo" en un medley con Héctor Lavoe en el disco Havana Jam)
  • Alfredo de la Fé (violín)
  • Tito Puente (timbales, batería)
  • Joe Bataan
  • Jimmy Sabater

te dejo alguno de musica para que descargues del grupo que le dio origen a la salsa, disfrutalo:

LO NUESTRO
http://www.megaupload.com/?d=UY9J1IRK

Navidad Fania Various Artistas
http://www.megaupload.com/?d=N0BXJAB3

Our Latin Thing 3
http://www.megaupload.com/?d=P7GBCIK0

Soneros las voces de la Fania
http://www.megaupload.com/?d=N0BXJAB3

The Greatest Live Recordings of Fania All Stars
http://www.megaupload.com/?d=VBJLT6FX

 

 

Amado Nervo... nos enseño ser arquitectos de nuestro destino...


(José Amado Ruiz de Nervo; Tepic, Nayarit, 1870 - Montevideo, 1919) Poeta mexicano. Hizo sus primeros estudios en el Colegio de Jacona, pasando después al Seminario de Zamora, en el Estado de Michoacán, donde permaneció desde 1886 hasta 1891.

Los problemas económicos que atenazaron a su familia, un hogar de clase media venido a menos, le forzaron a dejar inconclusos sus estudios eclesiásticos, sin que pueda descartarse por completo la idea de que su decisión fuera también influida por sus propias inclinaciones.

En cualquier caso, siguió alentando en su interior una espiritualidad mística, nacida sin duda en estos primeros años, que empapa la producción lírica del poeta, en la que medita, fundamentalmente, sobre la existencia humana, sus problemas, sus conflictos y sus misterios, el eterno dilema de la vida y la muerte.

Abandonados pues los estudios, empezó a ejercer el periodismo, profesión que desarrolló primero en Mazatlán, en el Estado de Sinaloa, y más tarde en la propia Ciudad de México, a donde se trasladó temporalmente en 1894. Sus colaboraciones aparecieron en la Revista Azul. Junto a su amigo Jesús E. Valenzuela, fundó la Revista Moderna. Estas dos publicaciones fueron el resultado de las ansias e impulsos modernistas que aparecieron, en aquella época, en todos los rincones de la Latinoamérica literaria y artística.


En paz


// -->


Muy cerca de mi ocaso, yo te bendigo, vida,
porque nunca me diste ni esperanza fallida,
ni trabajos injustos, ni pena inmerecida;

porque veo al final de mi rudo camino
que yo fui el arquitecto de mi propio destino
;

que si extraje la miel o la hiel de las cosas,
fue porque en ellas puse hiel o mieles sabrosas:
cuando planté rosales, coseché siempre rosas.

...Cierto, a mis lozanías va a seguir el invierno:
¡mas tú no me dijiste que mayo fuese eterno!

Hallé sin duda largas noches de mis penas;
mas no me prometiste tú sólo noches buenas;
y en cambio tuve algunas santamente serenas...

Amé, fui amado, el sol acarició mi faz.
¡Vida, nada me debes! ¡Vida, estamos en paz!


En 1900, el diario El Imparcial lo envió como corresponsal a la Exposición Universal de París, donde residiría durante de dos años. Entabló allí conocimiento y amistad con el gran poeta nicaragüense Rubén Darío, quien más tarde diría de Nervo: "se relacionó también con el grupo de literatos y artistas parnasianos y modernistas, completando de ese modo su formación literaria."

Todos los estudiosos parecen estar de acuerdo en afirmar que adoptó los principios y la filosofía del Parnaso, grupo de creadores franceses que intentaba reaccionar contra la poesía utilitaria y declamatoria, tan en boga por aquel entonces, rechazando también un romanticismo lírico en el que los sentimientos, las encendidas pasiones y las convicciones íntimas de los autores, interfiriendo en su producción literaria, impedían, a su entender, el florecimiento de la belleza artística pura.

En París conoció a la que iba a ser la mujer de su vida, Ana Cecilia Luisa Dailliez, con la que compartió su vida más de diez años, entre 1901 y 1912, y cuyo prematuro fallecimiento fue el doloroso manantial del que emanan los versos de La amada inmóvil, que no vio la luz pública hasta después de la muerte del poeta, prueba de que éste consideraba su obra como parte imprescindible de su más dolorosa intimidad. Su Ofertorio supone, sin ningún género de duda, uno de los momentos líricos de mayor emoción, una de las joyas líricas más importantes de toda su producción poética.

Cuando regresó a México, tras aquellos años decisivos para su vida y su formación literaria y artística, ejerció como profesor en la Escuela Nacional Preparatoria, hasta que fue nombrado inspector de enseñanza de la literatura. En 1906, por fin, ingresó en el servicio diplomático mexicano y se le confiaron distintas tareas en Argentina y Uruguay, para ser finalmente designado secretario segundo de la Legación de México en España.

En 1918 recibió el nombramiento de ministro plenipotenciario en Argentina y Uruguay, el que iba a ser su último cargo, pues, un año después, en 1919, Amado Nervo moría en Montevideo, la capital uruguaya, donde había conocido a Zorrilla San Martín, notable orador y ensayista con el que trabó estrecha amistad y que, a decir de los estudiosos, influyó decisivamente en el acercamiento a la iglesia Católica que realizó el poeta en sus últimos momentos, un acercamiento que tiene todos los visos de una verdadera reconciliación.

La obra de Amado Nervo

Poeta y prosista, el valor de su prosa desmerece, sin embargo, si se la compara con sus producciones en verso. Nervo es, efectivamente, un auténtico poeta modernista, verdadero hijo literario de Rubén Darío, plenamente mexicano; las intuiciones religiosas de su juventud le inspiraron las páginas de sus Perlas Negras y sus Místicas (1898), en las que puede encontrarse su célebre A Kempis, cuyo encendido lirismo no podría ya superar el poeta.

Más tarde, su mexicanidad se atempera por su estancia y sus contactos en París; la influencia francesa y, sobre todo, la española y la latinoamericana, concretada en el indiscutible maestrazgo de Rubén Darío y Leopoldo Lugones, confieren al espíritu, el sentimiento y la obra de Amado Nervo una dirección menos mística, unas preocupaciones menos religiosas, aunque impregnadas de un panteísmo que le da mayor universalidad, un pálpito más liberal y humano.

Es la etapa en la que escribe sus Poemas (1901), seguidos en 1902 por El Éxodo y las flores del camino, Hermana agua y Lira heroica. El ciclo se cerrará en 1905 con la aparición de Los jardines interiores. Todas sus producciones muestran un exquisito refinamiento, una indiscutible preocupación por la perfección de la forma y el absoluto protagonismo de la estrofa dentro de la escritura.

En 1909 publica En voz baja, obra que supone el inicio de su andadura hacia la paz espiritual que, a raíz de la muerte de su amada, dará paso a la profunda transformación que vivirá el poeta y que, en consecuencia, impregnará toda su obra; no puede olvidarse que los conmovidos versos de La amada inmóvil fueron escritos en 1912, aunque sólo aparecieran póstumamente, en 1920. A la misma época pertenece también Serenidad (1914).


Luego, el lírico evoluciona cada vez más hacia una renunciación que pretende llevar hasta el terreno literario; hay en él una curiosa influencia de las doctrinas orientales, su primitivo sentido más o menos místico se convierte ahora en una especie de aspiración al Nirvana. "La muerte es la libertad absoluta", nos dice en la prosa de Plenitud; este espíritu lo sostiene en el verso de Elevación, El arquero divino (de publicación póstuma) y El estanque de los lotos (1917).

Sus actividades como prosista se iniciaron con El Bachiller (1896), novela corta de carácter autobiográfico. Son evidentes en la narración las influencias y las aspiraciones naturalistas, sobre todo en lo que respecta a la presentación de los aspectos más desagradables y sórdidos de la realidad. Autor prolífico, hizo también numerosas incursiones en otros muchos géneros, como el cuento breve, el ensayo y la crónica; destaca entre ellos su estudio sobre sor Juana Inés de la Cruz, publicado con el título de Juana de Asbaje (1910).

¡Está bien!


Porque contemplo aún albas radiosas
y hay rosas, muchas rosas, muchas rosas
en que tiembla el lucero de Belén,
y hay rosas, muchas rosas, muchas rosas
gracias, ¡está bien!

Porque en las tardes, con sutil desmayo,
piadosamente besa el sol mi sien,
y aun la transfigura con su rayo:
gracias, ¡está bien!

Porque en las noches una voz me nombra
(¡voz de quien yo me sél), y hay un edén
escondido en los pliegues de mi sombra:
gracias, ¡está bienI

Porque hasta el mal en mí don es del cielo,
pues que, al minarme va, con rudo celo,
desmoronando mi prisión también;
porque se acerca ya mi primer vuelo:
gracias, ¡está bien!


Una recopilación de sus obras en prosa ya conocidas y de otras inéditas hasta entonces apareció póstumamente en la edición que, en 1938, publicó Alfonso Méndez Plancarte, acompañándola por el estudio Mañana del poeta. Entre sus obras narrativas merecen citarse Pascual Aguilera, El domador de almas, los cuentos de Almas que pasan (1906) y algunas de las novelas cortas y narraciones escritas en los años postreros de su vida. Sus Obras completas, ordenadas por el escritor y humanista Alfonso Reyes, que se encargó de la edición, aparecieron en Madrid, de 1920 a 1928, en veintinueve volúmenes.

 

 

Mocedades, amor de hombre y de todos que nos llenaste con tu musica

 

Mocedades fue un grupo español que nacio por 1969 y que en algunos paises los confundian con otro grupo de su epoca llamado El Consorcio, pero ambos eran grupos ajenos cada cual con su estilo.

En un principio, el grupo lo conformaban sólo las tres chicas, Amaya (1947–), Izaskun (1950–) y Estíbaliz Uranga Amézaga (1952–), llamándose Las Hermanas Uranga. Poco a poco se añadieron más hermanos y amigos a sus ensayos, y acabaron fundando un nuevo grupo con el nombre de Voces y Guitarras. Después de hacer pequeñas actuaciones por localidades de su provincia, Vizcaya, deciden enviar una maqueta con diversos temas a distintos productores de Madrid. Uno de ellos, Juan Carlos Calderón (1936–), se pone en contacto con ellos, y pasará a ser su productor durante once años.

Cambian su nombre a Mocedades, comenzando a tener sus primeros éxitos, el primero de ellos Pange lingua en 1969, y años después el tema Eres tú. Con esta canción representaron a TVE en el Festival de la Canción de Eurovisión 1973, consiguiendo la segunda posición con 125 puntos, la puntuación más alta conseguida en todas las ediciones del festival por España. Sin embargo, la repercusión de esta composición vendría un año más tarde cuando se hizo el número 9 en la lista de éxitos en Estados Unidos. Aún hoy su canción eurovisiva, que tuvo versión, además de en castellano, en inglés, francés, alemán e italiano, y años después también en euskera es un símbolo en la historia de la música española. Entre sus muchos reconocimientos, fue elegida por votación popular en Holanda en 2004 como el mejor tema de la historia de Eurovisión, y fue nombrada uno de lo 10 mejores temas de la historia en el 50 aniversario de Eurovisión, Congratulations. No fue su única aventura festivalera. En 1974 enviaron el tema Addío amor al Festival de San Remo, aunque en esta ocasión no tuvieron tanta suerte. Addío amor se convertiría en Adiós amor para el disco Mocedades 4.

Aparte de con Eres tú, consiguieron copar las listas de éxitos en Latinoamérica y España con temas tales como Tómame o déjame, La otra España, Secretaria, Sólo era un niño, ¿Quién te cantará? o El vendedor.

En el año 1980 concluyeron con el disco titulado Amor el contrato con la discográfica Zafiro, y firmaron contrato con la discográfica CBS (hoy Sony), pasando a tener a Óscar Gómez como productor, y grabando el primer disco de esta etapa, Desde que tú te has ido en 1981. Esta nueva época, supuso nuevos éxitos tales como Amor de hombre (que vendió más de 500.000 copias en España), La música, 15 años de música... En 1992 concluyeron con Íntimamente el contrato discográfico, que no fue renovado. Después, en 1995, con otra discográfica llamada DiscMedi grabaron el disco Suave luz. En 1997 se publicó en Walt Disney Records Mocedades Canta A Walt Disney, el que supuso el disco número 21 de la formación, el 20 en estudio. En el año 2007 publican Mocedades canta a Juan Luis Guerra.

Mocedades empezó siendo un grupo de ocho componentes, aunque a lo largo de su historia ha habido varios cambios. Los dos primeros discos los grabó la formación original, compuesta por los hermanos Amaya, Estíbaliz, Izaskum y Roberto Uranga, los también hermanos Rafael y Sergio Blanco, José Ipiña y Francisco Panera. En 1970 abandonaron Mocedades José Ipiña y Francisco Panera, a la vez que se incorporaba Javier Garay. En 1972 dejan el grupo Estíbaliz y los hermanos Rafaél y Sergio Blanco, entrando nuevamente José Ipiña y Carlos Zubiaga. Con esta formación de "los seis históricos" de Amaya, Carlos, Izaskum, Javier, José y Roberto llegaron sus mejores éxitos. Con esta formación, Mocedades obtuvo sus mayores éxitos.

te dejamos un link con los mejores exitos de este grupo que conquisto tantos corazones

http://rs374l32.rapidshare.com/files/255296480/203449/m0cedade..zip

Paulo Coelho, mas que un alquimista de las letras...

 

El escritor brasileño PAULO COELHO nació en 1947 en la ciudad de Río de Janeiro. Hasta dedicarse en exclusiva a la literatura, trabajó en el teatro como director y actor y fue también compositor musical y periodista.

PAULO COELHO escribió letras de canciones para algunos de los artistas más importantes de la música brasileña, como Elis Regina o Rita Lee. En este sentido, alcanzaron gran popularidad sus colaboraciones musicales con Raul Seixas, gracias principalmente a éxitos como Eu nasci há dez mil anos atrás, Gita o Al Capone, por citar unas pocas de entre las más de 60 composiciones realizadas en conjunto con el gran mito del rock brasileño.

Su curiosidad y fascinación por el mundo de lo espiritual (que encuentran su origen en la época en la que recorría el globo al más puro estilo hippie) le llevaron a una serie de experiencias en sociedades secretas, religiones orientales, etc.

En 1982, él mismo editó su primer libro, Arquivos do Inferno, que pasó desapercibido. En 1985 participó en el libro O Manual Prático do Vampirismo, que más adelante mandaría retirar por considerarlo, según sus propias palabras, "de mala calidad".

Un año después, PAULO COELHO realizó la peregrinación del Camino de Santiago, experiencia que describiría en El peregrino de Compostela (Diario de un mago). Fue en 1988 cuando publicó El Alquimista, que a pesar de sus lentos y difíciles primeros momentos (su primer editor acabó desistiendo), llegaría a ser el libro brasileño más vendido de todos los tiempos. Posteriormente escribió Brida (1990), Las Valkirias (1992), A orillas del río Piedra me senté y lloré (1994), una antología de las mejores columnas publicadas en la Folha de São Paulo, Maktub (1994), una recopilación de textos de su autoría titulada Frases (1995), La Quinta Montaña (1996), Manual del guerrero de la luz (1997), Veronika decide morir (1998), El demonio y la señorita Prym (2000), la colección de cuentos tradicionales Histórias para pais, filhos e netos (2001), Once minutos (2003), El Zahir (2005), La Bruja de Portobello (2006), Ser como el río que fluye (2007), El vencedor está solo (2009).

Realizó también la adaptación de El don supremo (de Henry Drummond) y de Cartas de amor del profeta (de Khalil Gibran).

PAULO COELHO ha vendido hasta el momento un total de 135 millones de ejemplares y, según la revista norteamericana "Publishing Trends", fue el autor más vendido del mundo en 2003 con el libro Once minutos, y eso sin haber sido publicado aún en EE.UU., Japón y otros diez países, donde sería lanzado sólo al año siguiente. En todos los países en los que fue publicada, esta obra se situó en el primer lugar entre las más vendidas, excepto en Inglaterra, donde llegó al segundo puesto. Además, en la misma lista de los libros más vendidos del mundo en 2003, El alquimista ocupó el sexto lugar. Por su parte, El Zahir (2005) alcanzó la tercera posición de los más vendidos, según también Publishing Trends, sólo por debajo de El código da Vinci, y Ángeles y demonios, ambos de Dan Brown. El vencedor está solo fue #1 em mas de 15 paises en 2009.

El alquimista fue uno de los fenómenos literarios más importantes del siglo XX, alcanzando el primer lugar de los superventas en 74 países y vendiendo, hasta hoy, 35 millones de ejemplares. Este trabajo también le ha traído en 2008 el premio por el libro más traducido en el mundo (67 lenguas) por el Libro Guiness de los Récords. Elogiado por personalidades tan diversas como el Nobel de literatura Kenzaburo Oe o la cantante Madonna (que lo considera su favorito), ha inspirado varios proyectos, como un musical en Japón y obras teatrales en Francia, Bélgica, EE.UU., Turquía, Italia y Suiza. La obra es ahora tema de dos sinfonías (en Italia y EE.UU., respectivamente), y fue ilustrada recientemente por el famoso dibujante Moebius (creador de los escenarios de El quinto elemento y Alien, por citar dos de sus trabajos).

PAULO COELHO ha sido traducido en 67 lenguas y ha sido publicado en más de 150 países.

PAULO COELHO es:

  • Mensajero de la Paz de la ONU
  • Embajador de la Unión Europea para el Dialogo Intercultural para el año de 2008
  • Miembro de plantel del Instituto Shimon Peres Para la Paz
  • Consejero Especial de la UNESCO para "Diálogos Interculturales y convergencias espirituales”
  • Miembro de la directiva de la Schwab Foundation for Social Entrepreneurship
  • Miembro de la Academia Brasileña de Letras
  • Member of the Board, Doha Center of Media Freedom
  • Member of INI International Advisory Council - HARVARD INTERNATIONAL NEGOTIATION INICIATIVE

 

te doy un link con varios de los mejores libros de este gran autor Brazileño

- A orillas del río Piedra, me senté y lloré.pdf
- Brida.pdf
- El alquimista.pdf
- El Demonio y la señorita Prym.pdf
- El Peregrino.pdf
- El Zahir.pdf
- La bruja de Portobello.doc
- La Quinta Montaña.pdf
- Maktub II.pdf
- Manual del guerrero de la luz.pdf
- Once minutos.pdf
- Veronika decide morir.pdf
- Satanas vende objetos usados.pdf
- De las tramapas de la busqueda.pdf
- Reflecciones Diarias.pdf


http://depositfiles.com/files/m9dmehyek

El rey del futbol, Pele


(Edson Arantes do Nascimento; Três Corações, Brasil, 1940) Futbolista brasileño. El mejor futbolista de todos los tiempos, en opinión de muchos, fue rechazado por los principales clubes de fútbol brasileños en los comienzos de su carrera deportiva, hasta que, tras jugar en varias formaciones secundarias, en 1956, fichó por el Santos. A lo largo de su dilatada carrera deportiva, Pelé obtuvo con este mismo club diversas Copas de América y, en 1962, el primer Campeonato Mundial de clubes. La Perla Negra, uno de los apelativos que recibió, era un jugador de corpulencia media que conjugaba una gran habilidad técnica, un poderoso disparo con ambas piernas y una inusitada capacidad de anticipación.

 

Pelé debutó en la selección brasileña con sólo diecisiete años y, ya entonces, su contribución a la magia del juego carioca fue clave para la obtención del título mundial en 1958. La selección de Pelé logró tres Copas del Mundo (1958, 1962 y 1970), lo que valió al combinado brasileño la adjudicación en propiedad del primer trofeo instituido, la llamada copa Jules Rimet.

Tras obtener todos los títulos posibles y haber contabilizado más de mil goles marcados en partidos oficiales, anunció su retirada del deporte activo en 1974. Sin embargo, Pelé (cuyo seudónimo carece aparentemente de significación alguna) fichó por el Cosmos de Nueva York, equipo constituido por un conjunto de grandes figuras del fútbol a fin de promocionar este deporte en Estados Unidos.

 

Tras retirarse definitivamente en 1977, el Rey recibió numerosos galardones y reconocimientos, tales como el Premio Internacional de la Paz (1978) o el de Atleta del Siglo (1980). Aureolado por una fama sin fronteras, y habiéndose convertido en el deportista mejor pagado hasta el momento, Pelé inició una carrera relativamente exitosa en el cine, como actor, y en la música, como compositor de varias piezas, entre las que se incluye la banda sonora completa de la película de carácter biográfico Pelé (1977).

Pelé continuó también ejerciendo una importante influencia en el mundo del fútbol desde los despachos, y en 1995 fue nombrado ministro de Deportes en Brasil, cargo desde el cual impulsó la llamada Ley Pelé con la cual pretendía modificar la legislación en materia de contratos deportivos entre clubes y jugadores. 

 

Selena, aun te recordamos afectuosamente

(Nombre artístico de Selena Quintanilla Pérez; EUA, 1971-1995). Cantante estadounidense. El 16 de abril de 1971 nació en la localidad tejana de Lake Jackson Selena, una de las hijas de una familia feliz y estable de origen hispano establecida en la zona. No era más que una niña cuando su padre, que había sido músico, se dio cuenta de la gran voz que poseía. A partir de entonces centró todos sus esfuerzos en encaminar su vida hacia la música.

 

 

Los primeros pasos de Selena como intérprete se remontan a su infancia, cuando su padre la hacia actuar con sus hermanos en el restaurante que dirigía. Así nacieron Selena y los Dinos, grupo con el que la cantante hizo su estreno comercial a los 12 años. El éxito acompañó a los niños desde sus inicios y posibilitó que en 1984 apareciera su disco de debut, Mis primeras grabaciones. Era el precoz inicio de una brillante carrera musical que sólo pudo parar la muerte.

 


Selena entra en la adolescencia cantando con sus hermanos y participando en diversos shows hasta que su vida cambia en 1989. Es en ese año cuando surge el sello latino EMI y su presidente, Behar, la ve en una de sus actuaciones mientras busca cantantes para incorporar a su discográfica. Descubre su potencial y decide contratarla. Ese mismo año ve la luz su primer trabajo profesional, Selena. Prácticamente a partir de este disco aparece cada año en el mercado un nuevo disco: Ven conmigo, Entre a mi mundo, Live... Es una mujer estadounidense y habla habitualmente en inglés, pero curiosamente canta en español, tal y como le enseñó su padre cuando era una cría.

 

 

Vestida con tops que recordaban el estilo atrevido de Madonna en aquella época y con canciones típicamente tejanas pero adaptadas al público de cada zona, el éxito de Selena creció sin parar. En 1993 consiguió un Grammy al mejor álbum de música mexicano-americana por Live y al año siguiente publicó su disco Amor prohibido, donde se escuchaban canciones que se hicieron famosas al instante de aparecer: Bidi Bidi Bom Bom y No me queda más, entre otras.

El sueño de Selena se hace realidad: triunfa en el mundo típicamente machista de la canción tejana y consigue entrar en México como una verdadera número 1, algo prácticamente imposible para cualquier cantante de Tejas. En el año 1995 disfruta de su éxito al grabar Dreaming of you, un disco del que vende más de dos millones de copias y protagoniza un multitudinario concierto en la ciudad de Houston. Son los últimos trabajos de una carrera donde se incluyen hits internacionales como I Could Fall in Love o el mismo Amor Prohibido, cuyo sencillo del mismo nombre llegó al número 1 de las listas.

 

El éxito de Selena se vio roto el día 31 de marzo de 1995, cuando tenía tan sólo 23 años. La presidenta de su club de fans, Yolanda Saldívar, la asesinó por motivos económicos. Ambas vivían en Corpus Christi y se conocían desde hacía tiempo. Selena confió en ella para dirigir algunas de sus tiendas, pero su padre se dio cuenta de que la estafaba. Después de una serie de problemas y desacuerdos, la cantante fue a visitarla ese día para hablar cara a cara y recibió un disparo por la espalda. El 3 de abril se celebraban unos multitudinarios funerales en su memoria que atrajeron a público de diversas ciudades. Había nacido un mito cuya vida fue llevada a la pantalla por la actriz Jennifer López.

Después de la muerte de Selena se publicaron diversas recopilaciones de sus trabajos que incluían temas en inglés (Siempre Selena y All my hits) y la venta de sus discos creció espectacularmente. Su repercusión fue tal que la revista People Texas le dedicó su portada una semana después de morir e incluso un número conmemorativo. Numerosas figuras musicales de carácter internacional, como por ejemplo Talía, Gloria Estefan y Carlos Vives han participado en homenajes póstumos a su memoria.

 

 

BENITO JUAREZ GARCIA. El respeto al derecho ajeno es la paz.

 

"La emisión de las ideas por la prensa debe ser tan libre, como es libre en el hombre la facultad de pensar."

(San Pablo Guelatao, México, 1806-Ciudad de México, 1872) Político mexicano. Hijo de Marcelino Juárez y Brígida García, matrimonio indígena de humilde condición, Benito Juárez quedó huérfano siendo niño y cursó sus primeros estudios en su pueblo natal.

Tenía veinte años cuando ingresó en el Instituto de Ciencias de Oaxaca, donde se licenció en derecho. Su preocupación por la realidad social y en particular por la situación de los campesinos lo llevó a expresar sus puntos de vista liberales y a participar activamente en política.

En 1831 Benito Juárez fue elegido regidor del ayuntamiento de Oaxaca y al año siguiente, diputado al Congreso del Estado. La energía con que defendió los intereses que representaba le valió en 1846 ser diputado por Oaxaca ante el Congreso de la Unión. Un año más tarde fue designado gobernador de su estado natal, cargo en el que permaneció hasta 1852.

Su oposición al tratado de Guadalupe-Hidalgo, por el que México perdió vastas zonas de su territorio en favor de Estados Unidos, encontró cauce en las filas liberales y en la defensa de un proyecto federalista. Sin embargo, los conservadores tomaron el poder en 1853, acaudillados por el general Santa Anna, y Juárez se vio obligado a exiliarse en Cuba.

Al cabo de dos años regresó y se adhirió al plan de Ayutla, entre cuyos firmantes figuraban los generales Villarreal, Comonfort y Álvarez. Al triunfar el pronunciamiento fue designado consejero de Estado y, bajo la presidencia de Ignacio Comonfort, ministro de Justicia. Como tal promulgó una serie de leyes que restablecían las libertades de enseñanza, imprenta y trabajo y anulaban las prerrogativas del clero y el ejército.

Sus disposiciones legislativas, que inspiraron la Constitución de 1857, de corte liberal, motivaron la reacción de los conservadores, quienes se pronunciaron al año siguiente en el plan de Tacubaya. Comonfort pactó con ellos, dio un golpe de Estado y encarceló a Juárez, lo cual fue el detonante de la guerra de Reforma. Como presidente de la Corte Suprema de Justicia, Juárez, que había conseguido huir, se convirtió en el presidente legítimo, de acuerdo con la Constitución, y estableció el gobierno en Veracruz.

 

Desde allí expidió las leyes de Reforma y proclamó una Constitución más radical que la anterior. Con la ayuda de Estados Unidos los liberales derrotaron finalmente a los conservadores en 1860. Sin embargo, las graves dificultades económicas por las que pasaba el país lo obligaron a suspender el pago de la deuda externa. La medida motivó la intervención del Reino Unido, España y Francia en 1861. Las promesas de Juárez determinaron la retirada de las dos primeras potencias, pero Francia, en connivencia con los conservadores, invadió México en 1863.

Ante la instauración del Imperio de Maximiliano, al año siguiente Benito Juárez se retiró a Paso del Norte y desde allí organizó la resistencia. Después de tres años de guerra entró en la capital y ordenó fusilar a Maximiliano I en Querétaro. Con el país empobrecido y desunido, fue reelegido por séptima vez en agosto de 1867, restauró la República federal y, al tiempo que daba vigencia a las leyes de Reforma, adoptó una serie de medidas para fortalecer la autoridad presidencial.

Este hecho y el temor a que buscara perpetuarse en el cargo, motivaron la reacción dentro de su propio partido. A pesar de las dificultades económicas, de la hostilidad del Congreso y de numerosos pronunciamientos, en 1872 Juárez fue nuevamente reelegido. Lerdo de Tejada, quien había fundado el Partido Lerdista, se alió a Porfirio Díaz y juntos se alzaron contra Juárez, revuelta que pudo ser sofocada. Tras su muerte, a causa de un ataque cardíaco, el Congreso lo declaró Benemérito de la Patria y de las Américas.

"Libre, y para mi sagrado, es el derecho de pensar... La educación es fundamental para la felicidad social; es el principio en el que descansan la libertad y el engrandecimiento de los pueblos."

 

San Valentin. Porque se le conoce como el Santo del Amor

 

Todos conocemos a San Valentin con el Santo de los enamorados, posiblemente porque durante estas fechas en los países nórdicos los pájaros se aparean o porque, según una tradición, en el tiempo en que vivió san Valentín, en el cual la religión cristiana estaba perseguida, él, a escondidas, casaba a las parejas bajo el ritual de la Iglesia.

Algunos creen que es una fiesta cristianizada del paganismo, ya que en la antigua Roma se realizaba por este tiempo la adoración al dios del amor, cuyo nombre era Eros y a quien muchos simpáticamente le han pasado a llamar Cupido.

También, y hace muchos siglos, fue tradicional en Inglaterra (se calcula que en los siglos XVII y XVIII) la "fiesta de los valentines", donde se elegían a hombres y a mujeres para formar pareja. Sea como fuese, San Valentín casi por sorpresa suya, es el patrón de todos los enamorados. San Valentín goza de mucha popularidad sobre todo en los países de habla inglesa: Estados Unidos y Gran Bretaña y también en buena parte de todo el continente europeo. Desgraciadamente, los grandes centros comerciales aprovechan para hacer del 14 de febrero (fecha de la onomástica del santo) un gran dia de consumismo, al estilo de la Navidad, y una semana antes de la fiesta ya anuncian todos sus productos como si fuera el fin del mundo.

¿Pero... quien fue San Valentín? La verdad es que hay muy poca informacion de él. Sabemos que era un sacerdote que nació en Roma a mediados del siglo III y que gozó de un gran prestigio en aquella ciudad hasta el punto que el emperador Claudio II lo invitó a su palacio para mantener una conversación y conocer de esta manera el porqué de su fama. Según la tradición, Valentín aprovechó aquella ocasión para hacer "propaganda" de la religión cristiana y convencer al emperador para que siguiera los pasos de Jesús. Aunque en un principio Claudio II se sintió atraído por aquella religión que los mismos romanos perseguían, los soldados y el propio Gobernador de Roma, Calpurnio, le obligaron a desistir y organizaron una campaña en contra de San Valentin. Claudio no tuvo más remedio que hacer marcha atrás y mandó a Calpurnio que lo procesara. Pero aquella misión la llevaría a cabo el lugarteniente del gobernador, Asterius. Cuando fue llevado ante él, éste se mofó de la religión cristiana y puso a prueba a Valentín.

Bajo un tono de burla, le preguntó si sería capaz de devolver la vista a una hija suya que era ciega de nacimiento. Valentín aceptó y en nombre del Señor obró el prodigio. Asterius y toda su familia se convirtieron al cristianismo, pero Valentín no se salvó del martirio, ya que temiendo una rebelión del ejército romano y de los paganos, el emperador lo mandó ejecutar. Era el año 270.

Los restos mortales de San Valentín se conservan actualmente en la Basílica de su mismo nombre que está situada en la ciudad italiana de Terni. Cada 14 de febrero se celebra en dicho templo, una acto de compromiso por parte de diferentes parejas que quieren unirse en matrimonio al año siguiente.


ABBA, conjunto de exquisitas voces ABBA

A principios de los años setenta, cuatro suecos llamados Anni-Frid, Agnetha, Bjorn y Benny formaron uno de los grupos de más éxito de los setenta y principios de los ochenta. Bautizaron el grupo jugando con las iniciales de sus cuatro integrantes. El resultado: ABBA.

El salto a la fama de Abba ocurrió en 1974, cuando ganaron el festival de Eurovisión, en su mejor edición, con la canción Waterloo. A partir de ese momento, todos sus discos se situaron en las listas de los más vendidos en toda Europa.

 


El álbum completo de ’Waterloo’ incluye temas de muy diversos estilos, intentando descubrir aquellos que más podían agradar al público.

En su siguiente disco, ’Arrival’, Abba muestra ya su propio estilo de música, que se vio continuado en ’Abba’, en el que se incluyen algunos de sus temas de mayor éxito, como ’Mamma mia’, ’I do, I do, I do’ y ’S.O.S.’. Tras varios discos de éxitos y en pleno apogeo triunfal por Europa, Abba decide conquistar el mercado norteamericano. Para ello diseñan un nuevo disco, ’Voulez-Vous’, con ritmos totalmente discotequeros. El resultado es un sonoro fracaso, ya que no consiguieron despertar de su indiferencia al público americano.

Los componentes de Abba formaban dos parejas sentimentales. Por un lado, Bjorn y Agnetha y por otro Anni-Frid y Benny. A finales de 1978, Bjorn y Agnetha anunciaron su ruptura sentimental, lo que repercutió seriamente en las relaciones entre los miembros de Abba, lo que motivó el inicio del declive del grupo.

Posteriormente, en 1980 la otra pareja de Abba también se divorció, y esta vez sí que la situación fue insostenible como para mantener en pie un grupo en el que es imprescindible la armonía entre sus integrantes.

Abba se disolvió en 1981, no sin antes publicar ’Super trouper’, uno de sus mejores trabajos, donde demuestran toda su madurez profesional y donde hay temas que tratan de desamor y de tristeza.